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Blog JJ Rébillard

BLUES SECRETS : MISSISSIPPI JOHN HURT

Après Charley Patton, Leadbelly et Lonnie Johnson un quatrième article pour cette nouvelle série de portraits consacrés aux légendes du blues. Ces portraits se veulent à la fois des stories, des histoires de vie mais aussi des analyses de style où vous découvrirez tout ce qui façonne le son et le phrasé des légendes du blues. A noter que l’on s’intéresse ici spécifiquement aux guitaristes. Nous sommes toujours avec les pionniers et nous allons à présent découvrir un autre grand du Delta Blues, Mississippi John Hurt.

PLUS SONGSTER QUE BLUESMAN

Avant toute chose et comme pour les articles consacrés aux pionniers, je vous engage à relire l’introduction de cette rubrique Blues Secrets. Elle est consacrée aux hollers qui sont la base du langage blues et dont la trace est encore très présente chez les premiers bluesmen.

Cette fois, retour dans le Delta du Mississippi en 1892. C’est en cette année, le 3 mars plus exactement (alors que l’année 1893 a longtemps fait référence), que John Smith Hurt alias Mississippi John Hurt voit le jour à Teoc, Mississippi.

 Il grandit à Avalon au sein de petites communautés agricoles qui cultivent notamment le coton. La ville de Greenwood n’est pas loin, véritable foyer du blues et lieu de naissance de son contemporain Furry Lewis, célèbre guitariste de country blues. C’est également Greenwood qui abrite la maison où Robert Johnson est décédé en 1938. Hurt est un autodidacte qui commence la guitare à l’âge de 9 ans sur un instrument qu’il surnomme Black Annie.

Pour la petite histoire, il s’agirait de la guitare qu’un ami de sa mère a mise en pension chez les Hurt. En effet, il y réside souvent tout en rendant fréquemment visite à une dame habitant à proximité. Dès que l’instrument est libre, le jeune Hurt en profite largement. Il progresse rapidement et devient un spécialiste du country blues traditionnel. Mais Mississipi John Hurt n’est pas un bluesman tel qu’on l’entend au sens classique du terme mais plutôt un songster avec un riche répertoire de chansons populaires.

DES SOIRÉES DANSANTES AUX SESSIONS A NEW YORK

Il les interprète en ajoutant sa touche personnelle, se forgeant ainsi un style unique qui le rend d’abord célèbre au plan local. Il anime effectivement bien des soirées organisées par ses voisins avec ce répertoire très dansant, un vrai phonographe ambulant à l’époque où la radio n’a pas encore envahi les foyers. C’est ainsi que l’amuseur du samedi soir va avoir l’occasion de se faire connaître, alors qu’il travaille par ailleurs comme ouvrier agricole ou métayer pendant ces années 20.

Il rencontre le fameux violoniste et guitariste de country music Willie Narmour avec lequel il joue et se lie d’amitié. Celui-ci ayant l’occasion d’enregistrer pour Okeh Records le recommande au producteur Tommy Rockwell. D’abord auditionné chez lui, il participe à une première session d’enregistrement à Memphis puis à une seconde session à New York…sous la direction du grand Lonnie Johnson (voir l’article consacré au maitre des maitres dans Blues Secrets).

Ces sessions de 1928 donnent naissance à 14 chefs d’œuvre de country blues et de ballades aux accents gospel. Malheureusement ces enregistrements sont des échecs commerciaux. Puis Okeh Records disparaît avec la Grande Dépression. Hurt retourne à Avalon, retrouve ses activités de métayer et ses soirées dansantes, bon père de famille et géniteur d’une grande famille de…14 enfants! A priori, Hurt est définitivement oublié du grand public. Ce n’est qu’en 1963 que Tom Hoskins, un aventurier collecteur de folkore acharné, guidé par les paroles d’un titre de Hurt, Avalon My Home (Avalon Blues), retrouve son auteur.

MIEUX VAUT TARD QUE JAMAIS…

Celui-ci ne comprendra jamais qu’un titre enregistré 35 ans plus tôt au cours de sessions à 20 dollars le titre lui permette de connaître cette gloire tardive durant les trois dernières années de sa vie. Du festival de Newport aux salles de concert de Washington en passant par le festival Phidadelphie Folk, il laissera le souvenir d’un conteur et de chanteur inspiré mais encore plus celui d’un guitariste remarquable qui inspirera toute une génération de musiciens des années 60 comme Stephan Grossman ou Doc Watson, pour ne citer qu’eux.

 Car Mississippi John Hurt n’a absolument rien perdu de ses talents de guitariste et a continué à jouer durant toutes ces années. De cette dernière partie de sa carrière, on retiendra trois albums pour Vanguard Records et pratiquement tout son répertoire enregistré pour la Library of Congress. Toute l’œuvre du maitre est ainsi archivée telle un trésor et sa vie s’achève à Grenade (Mississippi) le 2 novembre 1966, où il décède d’une crise cardiaque.

DELTA BLUES ATYPIQUE

Le style de Mississippi John Hurt est un savant mélange de country music, de blues, de gospel, de bluegrass et de musique traditionnelle ancienne et populaire. Son jeu redoutablement fin et précis à la main droite en finger picking, avec ses basses régulières subtilement accentuées, peut être considéré comme une anomalie pour un musicien issu du Delta.

Ce type de jeu est en effet beaucoup plus fréquent sur la côte est des Etats Unis où il pourrait être apparenté à l’East Coast Blues d’un Blind Blake. A noter que le finger picking de Hurt est largement basé sur deux ou trois doigts (pouce, index et majeur).

Côté rythmique, le jeu de Hurt est très binaire, comme chez les pionniers du Delta. A noter un léger swing feel qui apparaît assez souvent mais est très subtil. Au plan harmonique, on n’est pas vraiment fidèle à la grille de blues traditionnelle. En effet, le style des pères fondateurs respecte souvent le principe des hollers. Dans ce cas, on a un riff unique basé sur un seul accord et de nombreuses variantes avec des liaisons mélodiques. C’est le cas dans un titre comme John Henry.

Par ailleurs, Mississippi John Hurt joue aussi des grilles basées sur plusieurs accords mais elles sont caractéristiques du country blues (que l’on retrouve aussi dans l’East Coast Blues) et donc proches de la country music ou parfois des ballades de la musique populaire. Mais on y retrouve les accords générateurs de la grille de blues classique dans la plupart des cas. Hurt ne joue pas à proprement parler en solo mais son jeu est basé sur des liaisons mélodiques en forme d’ornements sur les accords.

Ces liaisons mélodiques sont construites sur les gammes de blues aux différents stades mais comme elles partent généralement de la fondamentale de chaque accord, on peut considérer que les gammes de blues au troisième stade sont très représentées.

Hurt joue aussi en slide mais c’est moins fréquent. Dans ce cas, il conserve son jeu classique en finger picking en ajoutant de petites phrases au bottleneck. Dans l’ensemble, la sophistication précoce de son jeu est un élément majeur de son style impeccable.

Enfin, en consultant le site superbement documenté de Weenie Campbell, on s’aperçoit que Mississipi John Hurt utilise le plus souvent un accordage standard mais qu’il joue dans de nombreuses tonalités.

Il est aussi l’aise en Do qu’en Mi, en Ré, en Sol ou en La ce qui est rare chez les pionniers. Pour les open, il en utilise également, notamment lorsqu’il utilise le bottleneck et ce sont le spanish tuning (open de G) ou l’open de D.

GUITARES ET SESSIONS

Lors de sa redécouverte Hurt ne possédait pas de guitare. Quand il reprend les sessions live et les enregistrements, on peut le voir à dès 1963 avec une Gibson J-45 mais il lui préfére rapidement une Guild F30. Pour les sessions de Vanguard, il joue sur une Martin OM-45 de 1930 prêtée par Stefan Grossman. Pour écouter Mississippi John Hurt, on dispose de nombreux enregistrements parmi lesquels 1928 Sessions qui proposent de découvrir ses premières sessions. Un bijou!! Chez Vanguard, des publications plus récentes sont également à recommander comme Today! ou The Immortal Mississippi John Hurt.

JJ RÉBILLARD

Tous les accordages de Mississippi John Hurt
https://weeniecampbell.com/wiki/index.php?title=John_Hurt_Library_of_Congress_Recordings:_Positions/Tunings_and_Keys

John Henry (1965)
https://www.youtube.com/watch?v=VoRnce4nUAo

You Got To Walk That Lonesome Valley
https://www.youtube.com/watch?v=85BvT5X6WSo

King of the Blues Full Album
https://www.youtube.com/watch?v=C7gVZmzAsBo

Avalon Blues
https://www.youtube.com/watch?v=klcDgu2f_pQ


 



 

Rédigé le  6 août 2019 16:36  -  Lien permanent
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BLUES SECRETS : LONNIE JOHNSON (PART 2)

Voici la seconde partie de cet article consacré à Lonnie Johnson dans laquelle vous allez découvrir le style et les différentes techniques utilisées par le maitre des maitres. 

TUNING DROPPED D-G

Avant toute chose, il faut citer l’open favori de Lonnie. C’est le Tuning Dropped D-G (D-G-D-G-D-G-B-E) comme dans Woke Up With the Blues In My Fingers que l’on peut jouer sans capo mais aussi en capo case 1.

Cet open ressemble beaucoup à celui de G mais il se termine par un Mi sur la première corde, ce qui permet de jouer tous les accords sur les 4 cordes aigues dans leurs positions standards. 

Et lorsque l’on joue en Ré on a les basses des deux premiers accords du blues classiques (D et G) à vide sur les 5ème et 6ème cordes à vide. On retrouve encore cet accordage dans Away Down In The Alley Blues mais avec un capo 2ème case.

En effet, à l’instar de nombreux pionniers, Lonnie Johnson utilise fréquemment le capodastre à ses débuts, ce qui lui permet de changer de tonalité et de suivre sa tessiture vocale tout en conservant son open Dropped D-G.

FINGER PICKING ET FLAT PICKING

Son finger style est très évolué et basé sur le principe de la basse monotonique ou basse bourdon mais celle-ci suit la grille harmonique. La basse change donc en fonction des accords mais reste identique tout au long de chacun d’entre eux.

Le jeu de Lonnie est bien sûr largement ponctué de liaisons mélodiques qui mélangent arpèges et gammes de blues, un principe qu’il exploitera ensuite dans son jeu note à note au médiator. 

Côté flat-picking, il est à peu près établi que Lonnie Johnson s’est inspiré du flamenco pour créer sa technique de solo. Le flamenco a été introduit au Texas par les vaqueros mexicains qui l’avaient connu eux mêmes, non des conquistadores mais des colons espagnols.

On sait que ce style est largement imprégné d’une floraison d’arpèges (accords joués note à note). Dès lors, il n’y a rien d’étonnant à ce que le flamenco ait été à l’origine de la guitare lead moderne. 

GAMMES DE BLUES AU 3ème STADE

Lonnie Jonhnson a mixé ces arpèges avec les gammes pentatoniques mineures et majeures pour créer la gamme de blues dans son extension la plus vaste, les gammes de blues au 3ème stade...et révolutionner au passage la guitare, comme la musique du vingtième siècle.

Bien qu’il soit foncièrement blues, le jeu de Lonnie Johnson est très jazzy. Son style est d’une fluidité incomparable qui n’a jamais été égalée sauf peut-être par Mark Knopfler qui a repris l’héritage dans un contexte plus rock et plus actuel.

Ce jeu très jazzy est vraiment l’invention de ce maitre de la guitare. Avant lui, on ne connaît personne qui joue de cette façon, sauf peut-être Eddie Lang avec lequel il enregistre un Blind Lemon Jefferson Tribute.

Voici parmi tant d’autres opus les albums à posséder absolument pour cerner l’ensemble de la carrière de ce maitre absolu : Mr Johnson’s Blues, Eddie Lang and Lonnie Johnson vol 1 & 2, The Originator of Modern Guitar, Blues by Lonnie Johnson, Two Tone Stomp. 

LES GUITARES DE LONNIE JOHNSON

Pour conclure ce portrait, il me semblait indispensable de vous parler des guitares utilisées par le maitre. Retrouver les guitares sur lesquelles il jouait n’a pas été une mince affaire et j’avoue y avoir passé un certain temps.

Commençons avec les guitares acoustiques : durant les premières années de sa carrière, Lonnie Johnson utilise une Parlor, petite guitare acoustique favorite des musiciens de blues du début du XXème siècle (son format séduisait aussi les musiciens itinérants nombreux à l’époque). 

Leur production a été assez rapidement arrêtée au détriment de guitares plus grandes au son plus puissant. Mais elles sont réapparues avec les folk singers des années 60 comme Bob Dylan qui les ont remises sur le devant de la scène.

Parmi les fabricants, on citera Framus, Eko (j’en ai une de 1969 que vous pouvez voir dans différents articles parus sur ce blog) ou Martin. Et justement, chez Martin, Lonnie Johnson a beaucoup utilisé la 00-21 (à gauche).

On le voit aussi souvent jouer sur une Gibson SJ100 ou encore sur la fameuse Harmony Monterey Archtop avec chevalet suspendu et cordier métal qui agit un peu comme un résonateur avec pour conséquence un effet de réverbe naturelle.    


Pour les guitares électriques, sa guitare favorite est une Kay Value Leader (une guitare produite par Kay à partir de 1961), qu’il utilise surtout dans les années 60 à la fin de sa carrière.

Ce modèle est décliné en 3 versions, avec 1, 2 ou 3 micros. A droite l'impressionnant modèle à 3 micros avec un réglage de volume et un réglage de tonalité pour chaque micro !

Lonnie a toujours préféré la version à un micro situé côté manche. On peut le voir aussi avec une Gibson ES330, un modèle créé en 1959. Enfin, à la fin des années 40 et dans les années 50, il joue aussi sur sa Gibson SJ100 sur laquelle il ajoute un micro dans la rosace comme beaucoup de bluesmen à l’époque. 

POUR EN SAVOIR PLUS

Voici d’abord trois liens qui me semblent très intéressants où vous retrouverez un spécialiste de Lonnie Johnson, « Daddystovepipe ».

Blues In My Fingers Lonnie Johnson style & open Dropped D-G :

Tab part Blues In My Fingers : Pour avoir la part, suivez le lien qui figure sous la video (free tab part on my site)

Woke Up With the Blues In My Fingers tuto :

Ensuite, quelques titres incontournables avec notamment le premier solo de guitare (6 88 Glide).

Woke Up With the Blues In My Fingers original version

Away Down In The Alley Blues



JJ RÉBILLARD
Rédigé le  15 juillet 2019 16:47  -  Lien permanent
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BLUES SECRETS : LONNIE JOHNSON (PART 1)


Après Charley Patton et Leadbelly, un troisième article pour cette nouvelle série de portraits consacrés aux légendes du blues. Ces portraits se veulent à la fois des stories, des histoires de vie mais aussi des analyses de style où vous découvrirez  tout ce qui façonne le son et le phrasé des légendes du blues. A noter que l’on s’intéresse ici spécifiquement aux guitaristes. Au programme cette fois, et toujours au chapitre des pionniers, l’immense Lonnie Johnson. Cet article fera l’objet de deux parties car il y a vraiment beaucoup de choses à raconter à son sujet…

LE MAITRE DE TOUS LES GUITARISTES

Avant toute chose et comme pour les articles consacrés aux pionniers, je vous engage à relire l’introduction de cette rubrique Blues Secrets. Elle est consacrée aux hollers qui sont la base du langage blues et dont la trace est encore très présente chez les premiers bluesmen. N’oublions pas à ce sujet que Lonnie Johnson a accompagné la légende du blues, Texas Alexander, l’artisan de la transformation et de l’évolution des hollers vers le blues moderne.

Lonnie Johnson est certainement le maitre de tous les guitaristes. Il a en effet entre autres inventé la guitare solo, c’est à dire le jeu note à note. Grande influence pour une légion de guitaristes parmi lesquels B.B. King, T-Bone Walker, ou Skip James, il a été une des principales sources d’inspiration pour Django Reinhardt et Charlie Christian. 

Il est également le maitre des maitres pour Jimi Hendrix, Eric Clapton ou Mark Knopfler pour ne citer qu’eux, car la liste serait interminable. Il a aussi enregistré avec les plus grands comme Eddie Lang, Duke Ellington ou encore Louis Armstrong. Enfin, pour l’anecdote, un certain Robert Johnson essayait même de se faire passer pour son frère…

Lonnie Jonhson est né en 1899 à La Nouvelle Orléans, mais comme beaucoup de pionniers, la date exacte est incertaine et des sources situent sa naissance en 1894. Issu d’une famille de musiciens, il étudie le violon, le piano, la mandoline et la guitare, mais c’est autour de cette dernière qu’il articule sa carrière musicale.

Adolescent, il commence à se produire dans des banquets et mariages avec son frère James. Parti en Angleterre en 1917, il échappe de ce fait à la fameuse épidémie de grippe espagnole qui décime littéralement sa famille à l’exception de son frère James.

Ils s’installent à Saint Louis en 1921 et forment un duo, puis Lonnie se lance dans une carrière prolifique dès 1925 où il remporte un concours de blues à Saint Louis dont le prix est un contrat d’enregistrement avec Okeh Records. 


INVENTEUR DE LA GUITARE SOLO

Chanteur et guitariste de blues émérite, il enregistre la bagatelle de 130 faces entre 1925 et 1932 qui font de lui un artiste très populaire et c’est également à cette époque qu’on le retrouve aux côtés de Eddie Lang, Louis Armstrong ou Duke Ellington.

Inventeur du premier solo de guitare avec le titre 6 88 Glide (à écouter sur l'album Two Tone Stomp), Lonnie Johnson s’illustre notamment comme compositeur de magnifiques œuvres instrumentales où l’improvisation est le maitre mot. 

Dans les faits, si Lonnie Johnson a parfois été considéré comme un chanteur de blues urbain, il n’en reste pas moins un maitre de la guitare blues mais aussi de la guitare jazz comme on peut l’entendre dans 6 88 Glide, titre avec lequel on comprend mieux l’influence qu’il a exercé sur Django ou Charlie Christian.

Après un passage à vide dû à un problème avec le producteur Lester Melrose, il enregistre à nouveau beaucoup entre 1937 et 1942. Revenu au premier plan après la guerre mais à la guitare électrique cette fois, il connaît une nouvelle éclipse entre 1953 et 1959 où il est redécouvert alors qu’il est portier dans un hôtel de Phidadelphie.

Il reste une des figures de proue de la guitare lead à l’occasion du blues revival des sixties où il émerveille les foules avec ses talents extraordinaires. Infatigable, il jouera ainsi jusqu’à sa mort en 1970.  


UN STYLE ET UNE TECHNIQUE UNIVERSELS

Lonnie Johnson avait un talent incroyable et un style tellement universel qu’il reste un véritable monument aujourd’hui. Ainsi quand on écoute Django, B.B. King, T-Bone Walker ou encore Eric Clapton dans ses célèbres reprises de blues acoustique, on entend Lonnie Jonhson. Sa force correspond notamment à sa grande maitrise de différents styles et techniques. 

Pour le style, le blues texan bien sûr mais aussi des accents de ragtime ou des arpèges qui évoquent le flamenco, des chansons populaires rurales autant qu’urbaines, et le jazz car Lonnie est un véritable créateur sur ce plan.

Côté technique, notre homme maitrise aussi bien le finger picking que le flat picking, n’oublions pas qu’il est l’inventeur du solo note à note joué au médiator. Le finger picking est surtout le fait des premières années de sa carrière puisqu’il joue ensuite de plus en plus en flat picking.

Je vous retrouve dans la partie 2 de ce portrait. A suivre, mais en attendant, vous pouvez écouter le premier solo de l'histoire de la guitare ici…

6 88 Glide :  https://www.youtube.com/watch?v=Yd2zQMv1oTY

JJ RÉBILLARD
Rédigé le  27 juin 2019 17:16  -  Lien permanent
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BLUES SECRETS : LEADBELLY

Après Charley Patton, un deuxième article pour cette nouvelle série de portraits consacrés aux légendes du blues. Ces portraits se veulent à la fois des stories, des histoires de vie mais aussi des analyses de style où vous découvrirez  tout ce qui façonne le son et le phrasé des légendes du blues. A noter que l’on s’intéresse ici spécifiquement aux guitaristes. Cette fois, et toujours au chapitre des pionniers, nous allons parler de Leadbelly.

UN MULTI-INSTRUMENTISTE PRÉCOCE

Avant toute chose et comme pour les articles consacrés aux pionniers, je vous engage à relire l’introduction de cette rubrique Blues Secrets. Elle est consacrée aux hollers qui sont la base du langage blues et dont la trace est encore très présente chez les premiers bluesmen. Second pionnier parmi les pionniers, le fameux Leadbelly de son vrai nom Walter Boyd dit Huddie Leadbetter, est né en Louisianne en janvier 1888, bien que certaines sources évoquent l’année 1889 et même parfois 1885. Toutefois, 1888 reste la version la plus plausible.

Il n’est pas seulement guitariste mais multi-instrumentiste et son premier instrument est un accordéon qu’il reçoit très jeune de son oncle puis il se met à la guitare mais on le retrouve aussi au piano, à la mandoline, à l’harmonica et même au violon. Arrivé au Texas à l’âge de cinq ans, Leadbelly est précoce, joue de la guitare et chante dès l’âge de 15 ans, puis c’est justement au piano qu’on le retrouve un an plus tard dans les maisons closes de Shreverport !

C’est le début d’une carrière mouvementée qui le voit rapidement parcourir les routes du Texas où l’on raconte même qu’il aurait servi de guide à Blind Lemon Jefferson. Marié à l’aube de la vingtaine et jeune père de famille, Leadbelly reste un coureur de jupons invétéré, grand bagarreur n’hésitant pas à se servir de son colt au besoin, comme en 1917 où il passe par les armes un rival à propos d’une sombre histoire de fille et écope de 30 ans de prison au pénitencier d’Angola. En raison de sa bonne conduite, il est éligible pour une libération anticipée le 1er août 1934. 

BLUESMAN OU SONGSTER ?

La longue séquence en prison est paradoxalement fondamentale pour la carrière musicale de Leadbelly car ses talents de guitariste s’y affirmeront. Il les utilise en effet pour distraire prisonniers et gardiens, un vrai bon public au bout du compte. Et ils vont aussi l’aider à sortir de prison car les frères Lomax, grands collecteurs de musique pour la Bibliothèque du Congrès entendent parler de lui et sont très sensibles à l’étendue de son répertoire et à sa carrière qui est déjà considérable, même si une bonne partie a pour toile de fond la prison.

Alan Lomax réussit l’exploit de faire libérer Leadbelly qui devient le chauffeur des deux frères qui l’enregistrent en 1933 et 1934 avant qu’il grave plus de 40 faces pour l’American Record Corporation dont 5 seulement seront publiées. L’essentiel du répertoire blues de Leadbelly date de cette époque (1935-1940) car son style évolue ensuite en s’éloignant de ses racines blues. Il est en effet bientôt le pionnier du nouveau courant folk urbain de Greenwich Village et on le retrouve aux côtés d’artistes comme Woodie Guthrie ou  Pete Seeger.

Durant les années 40, Leadbelly connaît une popularité croissante mais il s’éteint malheureusement avec la décennie en 1949, victime de la terrible maladie de Charcot. En résumé, bien qu’il soit un bluesman dans l’âme, notamment au début de sa carrière, Leadbelly est un songster ou raconteur d’histoires et son répertoire est très varié. Berceuses, chants de cow-boys, country songs, tout peut y passer avec Leadbelly et bien sûr le blues. Un style de blues que l’on peut considérer comme une variante du blues texan mais qu’il rendra bien plus populaire pour le public blanc que pour le public noir où son écho est plus limité. 

THE KING OF 12 STRINGS GUITAR

La guitare 12 cordes est apparue à la fin du 19ème siècle au Texas puis dans le New Jersey où la 12 cordes la plus célèbre est la Stella fabriquée par Oscar Schmidt. Son ambassadeur emblématique est certainement Leadbelly, autoproclamé the King of the 12 Strings Guitar. Comme l’homme, son style de guitare est puissant et il utilise avec personnalité sa Stella en pratiquant un jeu à base de basses alternées à différents tempos mais très impressionnant sur les tempos les plus rapides. Il se sert d’ailleurs principalement de ce type de battement.

Côté style, si vous voulez avoir la régularité et la puissance de jeu de Leadbelly, je vous conseille d’utiliser un onglet pour le pouce. En effet, s’il n’a jamais été considéré comme un virtuose à l’instar d’un Blind Blake, sa mise en place n’en demeure pas moins redoutable. Un autre point essentiel réside dans son accordage très particulier. Avec des cordes de fort tirant, il respecte les intervalles de l’accordage classique (E, A, D, G, B, E) mais il s’accorde régulièrement 5 demi-tons en dessous soit (B, E, A, D, F#, B) voire 6 demi-tons en dessous. 

Je vous donne ci-dessous un lien qui vous permet d’avoir tous les accordages utilisés dans l’album King of the 12 strings Guitar (Columbia) grâce au travail remarquable de Chris Berry & Andrew Mullins…Ca laisse rêveur. On trouve plus rarement des open tunings, mis à part l’open de G (D, G, D, G, B, D) lorsqu’il joue (assez rarement) en slide comme dans Packin’ Trunk. Côté harmonique, Leadbelly utilise bien sûr les séquences classiques du blues mais le format en 12 mesures n’est pas fréquent.

Les accords sont les 3 accords générateurs (E, A, B en E) mais leur distribution n’est la pas la même que dans la grille classique et sont souvent répartis sur des cycles de 8 mesures. Ceci est assez logique lorsque l’on sait que son jeu s’inspire autant des country songs que du blues.

Les liaisons mélodiques sont principalement exécutées sur les basses et constituent souvent des riffs qui peuvent être considérés comme les bases du blues moderne et du rock. Enfin, sur le plan rythmique, on est très binaire et le ternaire apparaît seulement et assez rarement sous forme d’un léger swing feel.

Parmi les titres les plus connus de Leadbelly, Where Did You Sleep Last Night est certainement la balade bluesy number one, notamment du fait de la reprise de Nirvana.

Mais si vous voulez écouter son blues, alors il y a Packin’ Trunk, Becky Deem She Was a Gamblin’ Girl, Four Day Worry Blues, Ox Drivin Blues ou T.B. Woman Blues, titres que vous trouverez dans le fameux album King of the 12 strings guitar.

Car même s’il s’était ainsi autoproclamé, Leadbelly était vraiment le roi de la 12 cordes...

L’album essentiel : King of the 12 strings guitar : https://www.youtube.com/watch?v=beMmfjusc0I


Les accordages de l’album King of the 12 strings guitar : https://weeniecampbell.com/wiki/index.php?title=Leadbelly_Guitar_Keys_and_Positions

JJ RÉBILLARD



Rédigé le  28 mai 2019 19:32 dans BLUES SECRETS  -  Lien permanent
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BLUES SECRETS : CHARLEY PATTON

Voici une nouvelle série d’articles en forme de portraits consacrés aux légendes du blues. Ces portraits se veulent à la fois des stories, des histoires de vie mais aussi des analyses de style où vous découvrirez  tout ce qui façonne le son et le phrasé des légendes du blues. On va remonter le temps et naturellement commencer avec les pionniers. A noter que l’on s’intéressera ici spécifiquement aux guitaristes.

AU CŒUR DU DELTA

Avant toute chose et comme pour les articles consacrés aux pionniers, je vous engage à relire l’introduction de cette rubrique Blues Secrets. Elle est consacrée aux hollers qui sont la base du langage blues et dont la trace est encore très présente chez les premiers bluesmen. On commencera donc avec le pionnier des pionniers, le plus âgé, même s’il n’a que quelques années de plus que ses illustres contemporains comme Lonnie Johnson ou Blind Blake. 

J’ai bien sûr nommé le grand Charley Patton dont la place dans l’histoire du blues est de tout premier ordre. Charley Patton est vraisemblablement né en 1891, bien que certains situent sa naissance en 1881, ou en 1885 voire en 1887. Considéré comme Africain-Américain, notre homme avait toutefois le teint plutôt clair et l’on pense que ses origines étaient mixtes, à savoir blanches, noires et autochtones avec une grand-mère cherokee.

Né près de la ville d’Edwards dans le Mississippi, Charley Patton a passé l’essentiel de sa vie dans le Delta. Il grandit dans la plantation de Will Dockery, apprenant la guitare à l’aube du XXème siècle alors qu’il est âgé d’une douzaine d’années, auprès d’un certain Earl Harris qui lui apprend ses premières chansons. Il rencontre également rapidement le musicien Henry Sloan qui joue une forme primitive de blues, un peu comme Texas Alexander au Texas. Son jeu évolue rapidement, il progresse et son oncle Ezell Chatmon fait appel à lui pour l’accompagner dans son string-band.

UNE INFLUENCE MAJEURE

A noter que la famille Chatmon (les enfants d’Ezzel, Bo, Sam et Lonnie) formeront avec leur frère adoptif et guitariste Walter Vincson les fameux Mississippi Sheiks en 1926. Puis Charley Patton commençe une carrière itinérante qui suit le cours du Mississippi. Sa popularité va croissant et il rencontre de nombreux musiciens et guitaristes de blues comme Willie Brown qui sera notamment son sideman et qui enregistrera quelques titres avec lui pour Paramount Records. A noter que le grand bluesman Tommy Johnson a beaucoup appris de Brown et Patton en matière de guitare. On peut dire qu’ils furent ses plus grandes influences. 

Charley joue aussi avec un certain Robert Johnson et sera encore le prof de guitare d’Howlin’ Wolf. Autant dire que le musicien aura eu une influence considérable et aura écrit l’une des plus grandes pages de l’histoire du blues. Il est également l’un des premiers bluesmen du Mississippi à avoir enregistré. Nous sommes alors en 1929 et Patton a certainement dépassé la quarantaine. Son style qui s’est forgé dans les deux premières décennies du XXème siècle est arrivé à maturité. Il enregistre en tout une bonne quarantaine de titres, d’abord pour un certain Speir, propriétaire d’un magasin de disques puis pour Paramount. 

Malheureusement, la carrière discographique de Charley Patton ne dure pas très longtemps car il meurt en avril 1934 d’une crise cardiaque, peu de temps après avoir gravé ses dernières faces à New York. Côté style, c’est très riche et notre homme laisse derrière lui un héritage inestimable. Son répertoire est d’une grande diversité et l’on y trouve bien sûr beaucoup de blues mais aussi du ragtime, des hillbilly songs ou folk songs, des ballades empruntées à la musique rurale blanche de la fin du XIXème siècle et autres formes de country dance music.


UN STYLE DE GUITARE UNIQUE

Son style de guitare est assez unique en son genre, basé sur un finger picking plutôt élaboré pour l’époque, ponctué de percussions sur le corps de sa guitare. Il utilise aussi beaucoup le bottleneck en jouant en lap-style avec la guitare posée sur ses genoux. De ce fait et comme beaucoup de pionniers, il affectionne particulièrement les open-tunings, notamment l’open de G (D, G, D, G, B, D), ce qui simplifie le jeu et permet de se concentrer sur la performance vocale tout en ayant un solide accompagnement.

Mais ce n’est pas tout et vous avez dû vous en apercevoir si vous avez essayé de transcrire des titres de son répertoire. Ainsi, il s’accorde fréquemment un demi-ton au dessus, voire un ton ou ce qui est encore plus rare un ton et demi au dessus. Vous n’avez certainement jamais joué avec un accordage aussi haut mais il facilite le jeu en slide du fait de l’action plus haute des cordes (distance entre les cordes et le manche).

Donc, vous êtes prévenus, attention à la casse !! Côté rythmique, on est souvent binaire, comme chez beaucoup de pionniers. Son jeu en accords est basé sur les open tunings, ponctué de lignes mélodiques en forme de liaisons le plus souvent réalisées au bottelneck et construites sur les gammes de blues à tous les stades, les gammes au 3ème stade étant les plus représentées.

Son chant est à l’image du personnage, avec un phrasé assez haché et percutant. Patton avait en effet la réputation d’un individu assez violent, coureur de jupons, n’hésitant pas à jouer des poings à l’occasion. Fidèle aux hollers primitifs, son phrasé vocal est en forme de question-réponse avec les percussions qu'il effectue en tapant sur le corps de sa guitare ou avec son jeu rythmique et mélodique. 

Charley Patton utilise une guitare Stella Grand Concert que l'on peut entendre dans ses enregistrements. Parmi ses plus grands titres, on retiendra Down The Dirt Road Blues, Banty Rooster Blues, Poney Blues, High Water Everywhere (qui évoque les crues légendaires et destructrices du Mississippi), Tom Rushen Blues, High Sheriff Blues, Hammer Blues pour ne citer que les plus célèbres. Je vous donne quelques liens pour écouter le grand Charley Patton dont l’influence fut absolument majeure. Enfin, la leçon de Pete Madsen sur Acoustic guitar me semble tout à fait remarquable pour comprendre son style et son jeu.
JJ RÉBILLARD

Rédigé le  15 mai 2019 18:08 dans BLUES SECRETS  -  Lien permanent
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SOUL WARRIORS : REFLEXIONS SUR LA PROMO D'UN ALBUM (EPILOGUE)

Comme je vous l’ai largement fait savoir tout au long de l’année 2018, j’ai sorti l’album Dance de mon groupe de soul, les Soul Warriors et j’ai fait une campagne de promo qui a commencé fin janvier 2018 et continuera finalement jusqu’en avril 2019, après tout pourquoi se priver quand ça fonctionne. Au final, quels sont les résultats ? Voici un bilan complet en chiffres qui vous donnera une idée de ce que l’on peut obtenir en y passant pas mal de temps et en ne comptant pas son énergie. Naturellement, on peut faire mieux, on peut faire moins bien aussi. A vous de juger…

L’HEURE DES COMPTES

L’heure des comptes a sonné, voici donc les résultats que j’ai obtenus avec un an de promo sur l’album Dance des Soul Warriors (j’ai fait quelques arrondis au chiffre supérieur ou inférieur pour plus de lisibilité).

1- Sur Facebook, la campagne a été principalement active du 22 janvier au 15 juin 2018. Les publications ont atteint 280000 personnes, avec 24000 interactions.

2- Sur Souncloud où la campagne a été active du 22 janvier au 28 mars 2018, il y a eu 9000 écoutes sur l’ensemble de l’album et un trio gagnant composé des titres Dance, The Samurai Of Love et Soul Warrior.

3- Sur les radios françaises, 200 passages recensés ce qui ne tient pas compte des petites radios et autres webradios mais seulement des têtes de réseau d’après les chiffres officiels de l’attaché de presse.

4- Sur Feature FM-Deezer, 100000 streams, 1200 play-lists et 4000 engagements. A noter qu’il y a eu 100000 streams en plus sur Deezer hors campagne Feature.

5- Sur Radio Airplay-Jango, 30000 écoutes avec le trio gagnant composé de If I Had One Wish, The Samurai Of Love et Dance, avec une grande majorité d’écoutes aux USA et dans le monde anglo-saxon. Et If I Had One Wish dans le Top 10 de la semaine 49 de 2018.

 6- Sur Spotify, 32000 auditeurs, 215000 streams dont 80000 pour If I Had One Wish (Weekly Discover Playlist Spotify depuis le 1er octobre 2018 et ça continue toujours) et 1000 play-lists.

CONCLUSIONS

Je reste discret et ne peux donc vous révéler quel a été mon chiffre d’affaire et le budget promo mais sachez que ce dernier n’était pas donné. Par ailleurs, l’opération était pour moi une campagne de promo sur mon groupe et sur le nom JJ Rébillard.

Le budget était donc inclus dans mon budget global de communication et ça n’est évidemment pas la même chose que lorsque l’on veut gagner sa vie avec sa musique.

Je ne regrette rien, j’ai beaucoup appris et il est évident que je ne mettrai pas mes billes dans les mêmes paniers pour une prochaine production. Je sais maintenant où il faut investir et notamment que c’est à l’international en général et dans le monde anglo-saxon en particulier qu’il faut travailler en ce qui me concerne. Enfin, il me semble indispensable de vous révéler ce que j’ai appris sur les distributeurs et les plateformes.

Pour les premiers, je vous recommande CD Baby (ils sont les premiers historiquement parlant) et Tunecore. Je les ai testés tous les deux sur différentes productions et ce sont des gens honnêtes, même si l’on a parfois quelques difficultés à avoir des factures en bonne et due forme.

Pour les streams, les chiffres de Spotify sont rigoureusement exacts, j’ai eu l’occasion de le vérifier et d’en avoir la preuve. Mais malheureusement, il n’en n’a pas été de même avec Deezer et il y a eu des incohérences entre les chiffres fournis pas Deezer et ceux fournis par Feature FM.

ULTIMES CONSEILS

D’une manière générale, les chiffres de Deezer se sont révélés de 70% inférieurs à ce qui était prévu, rien que pour les streams issus de Feature. Je ne sais pas comment ils font leurs calculs mais on ne peut malheureusement pas les discuter.

Mais vous ne vous passerez pas de Deezer, surtout pour la France, pas plus que des autres plateformes, même si Spotify concentre la moitié des streams mondiaux. En conséquence, communiquez de préférence en envoyant vos auditeurs sur Spotify ou Apple Music.

Ne négligez pas les réseaux sociaux, mais travaillez davantage Facebook que Instagram. Même si tout le monde est là actuellement, vous risquez d’être noyés, donc c’est cool pour quelques bons selfies, un peu de notoriété mais pour le reste, il est risqué d’investir sauf si votre porte-monnaie déborde…

Les concerts sont également une belle source de promo. D’une part, vous y vendrez vos albums et d’autre part, vous attirerez des auditeurs pour vous écouter sur les plateformes. Enfin, un attaché de presse peut être intéressant mais il faut vraiment avoir ses entrées, sinon, gare aux dépenses excessives.

J’espère vous avoir apporté des infos qui vous seront utiles dans la suite de votre carrière et vous seront utiles dans la jungle actuelle. Je vous souhaite une seule chose, la réussite même si la réussite financière ne doit pas être considérée comme une fin en soi. N’oublions pas que nous sommes là avant tout pour nous faire plaisir, et que seuls comptent la musique et ce vous apporterez à votre public.

JJ RÉBILLARD
Rédigé le  30 avril 2019 19:48 dans ACTUALITÉS  -  Lien permanent
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